León Larregui, originario de Cuernavaca y con 52 años, es un reconocido músico mexicano que se encontraba caminando por una calle de París, luciendo un abrigo beige y pantalón negro. Durante su recorrido, se detiene en un semáforo, donde observa a una mujer que también espera. Al cambiar el semáforo, ella desaparece y él continúa su camino. Mientras tanto, suena en el fondo *Bruma*, una canción que dará título a su próximo álbum, *Manifiesto de un tremendo delirio*, programado para lanzarse el 26 de marzo. Este paseo por París forma parte del video de *Bruma*, que evoca la estética de las cámaras antiguas.
A más de 300 kilómetros de distancia, en Bruselas, León Larregui conversa a través de Zoom. Justo acaba de dejar a su hijo en una clase de música y comparte que actualmente su vida transcurre entre Bruselas, París y México. Durante la entrevista, habla sobre su proceso creativo para el nuevo álbum, su búsqueda de “luz” en la música y su enfoque en los mensajes sociales que aborda en sus canciones.
El nacimiento de *Bruma* y el proceso creativo
Pregunta. ¿Cómo surgió *Bruma*? ¿En qué se inspiró?
Respuesta. Este disco tiene un tono melancólico y refleja un momento difícil de mi vida. El proceso de creación llevó dos años y surgió más como una necesidad de supervivencia. *Bruma* es uno de los últimos temas que compuse y ocupa el primer lugar en el álbum. Es una de mis canciones favoritas de este trabajo.
Colaboraciones y evolución del álbum
P. ¿Cómo fue el proceso creativo del álbum *Manifiesto de un tremendo delirio*? ¿Trabaja nuevamente con Adanowsky como productor?
R. Decidí volver a trabajar con el mismo equipo que colaboró en *Solstis* (2012), que incluye a Adanowsky, Rob Coudert, Jack Lahana y Vincent Policarpe. Juntos, formaron un “dream team” que ayudó a dar forma al nuevo disco. El título ha tenido varias evoluciones; al principio pensé en usar *Bruma* como título. Al final, se convirtió en un manifiesto que se refleja en las 13 canciones del álbum. El subtítulo, “un tremendo delirio”, describe un período intenso de mi vida, marcado por mi separación de Margaret Turck, madre de mi hijo de 10 años.
“La música fue mi salvación. La imagen de la maleta en el álbum simboliza que pasé dos años viviendo entre diferentes alojamientos. Este disco es muy personal, aborda mi sufrimiento y mis luchas, así como los procesos de sanación y las dualidades del dolor y la felicidad.”
Reflexiones sobre el proceso emocional
P. ¿Cómo se siente tras finalizar este proyecto?
R. Hay un proceso de sanación en el que expongo mis experiencias. Componer siempre ha sido una forma de procesar emociones, buscando la luz durante la creación de una canción. Mis letras reflejan mis sentimientos y también cómo encuentro soluciones. Es un proceso personal para avanzar y evolucionar ante emociones complejas.
Compromiso social a través de la música
P. En sus canciones aborda temas sociales, como en el sencillo *Cometas*, que busca recaudar fondos para un hospital infantil en Gaza. ¿Cuál es su perspectiva social?
R. Creo que es importante levantar la voz sobre temas que nos afectan a todos. En *Cometas* abordé la tiranía de manera sutil. La situación en Gaza es delicada, y quería que la canción fuera un acto de solidaridad y no un simple sencillo comercial. Inicialmente, compartí el enlace de manera personal; solo después la disquera decidió lanzarla. Por suerte, una ONG llamada Iron Kids of the World ayudó a dar visibilidad a la causa y al video.
Identidad y vida cotidiana
P. ¿Se considera un *rockstar*?
R. (Ríe) La gente puede verme así, pero yo no. Siempre he sido el mismo, un personaje rebelde y escandaloso. La vida cotidiana es mucho más tranquila: soy padre, llevo a mi hijo a sus clases y realizo tareas domésticas. La vida de *rockstar* ocurre en escenarios y momentos específicos, pero mi día a día es normal y tranquilo.
